今天小編分享的遊戲經驗：CJ期間，米哈遊在自己主辦的分享會聊了什麼？ 轉載 已修改，歡迎閲讀。
前兩天（7 月 29 日），米哈遊主辦了一個蠻有趣的音樂主題論壇。
臨近結尾的時候，有個我覺得很有趣的圓桌讨論：聊遊戲音樂能不能自負盈虧，然後成遊戲 IP 高全球化的重要助力。
話題蠻大，但這幫人可真有實操經驗。你看聊的陣容就知道：
蔡近翰， HOYO-MiX 的主理人，搞了國内遊戲行業獨此一家的 in-house 音樂廠牌；
安棟，上海音樂學院的教授，做過遊戲音樂總監，也負責過許多大型遊戲音樂會；
丁楠，她所在的環球音樂集團是全球最大的唱片公司，也做過《使命召喚》等項目；
柴徐駿，之前 B 站搞的大型線下活動 "BML" 就是他和團隊一手策劃起來的；
楊薇，騰訊音樂娛樂集團内容合作部總監，所在的 TME 也是國内最大的音樂平台……
攝 · 遊戲葡萄 @九蓮寶燈
之前一位遊戲音樂人告訴我，米哈遊其實讓行業開始相信：遊戲音樂不僅能為遊戲 IP 帶去超預期的傳播效果，甚至還有了自負盈虧的能力，成為遊戲廠商獨立盈利的項目……
如果你覺得米哈遊只是财大氣粗的個例，這個想法距離國内行業的普通人還是太遠……那我蠻建議你看看這次圓桌：有關商業模式、人才培養，這幫人已經指明了很多東西。
大家聊得有些嗨，内容有些長，但也展示了國内遊戲行業一個有趣的選項。
以下是圓桌演講整理（為方便閲讀，内容有所調整）：
01 自負盈虧的遊戲音樂
蔡近翰
蔡近翰：先聊聊商業化的事情。
最近不少廠商其實都在砸錢去做遊戲音樂會。
我想問問柴總，你是線下方面的專家，你怎麼看待音樂線下演出？
遊戲音樂會能成一個好的變現模式嗎？
柴徐駿：肯定。遊戲音樂，在歐美和日本已經有了正向的商業模式，而且還能作為了獨立内容去向市場釋放。
随着國内市場需求增長，現在很多遊戲廠商也關注到了遊戲音樂是非常重要的一環。
不過，受制于認知，大家還是把自己看成遊戲公司，而不是全方位 IP 的公司。
蔡近翰：不是内容向的廠商。
柴徐駿：對，國内大部分遊戲音樂會，還是市場部門主導。
市場花一大筆錢，去做一個規模不大的單次演出，作為周年慶的一環。
——類似于放煙花的時候，大煙花一炸，啪，就結束了。
蔡近翰：我們也發現，很多公司做内容都要 " 更高更快更強 "，花一堆錢，收支不平衡。
柴徐駿：市場部怎麼想？做這東西花錢花精力，沒法回本，還有很大的壓力和風險。
這種事情最多一次兩次。
一來參與人數有限；二來，它根本就不是商業模式，只是一個花錢的市場活動。
但其實你看成熟市場，他們已經有非常多專業做演出的公司，還有專業的人。
——專業的人可以根據優質 IP 内容，去做符合商業邏輯的活動。
所以，我們可以嘗試考慮用授權、共建，或者制作委員會的形式，交給他們去做……
蔡近翰：那我有個尖鋭的問題——如果外包對遊戲内容毫不了解，做出了不符合玩家的内容。這怎麼辦？
安棟：這個的确需要多考慮一下。
這兩年我跟的《原神》《星鐵》音樂會，就有非常高的水平，得到了玩家很高的認可，也有了引領的效果。
但回想一下，如果我們将這一切都交給三方去做，沒有專業的人去跟，就存在風險。
對于三方來説，這就是一個商單，做出來可能會被玩家噴。之前也出現過類似的情況。
所以怎麼啓動？怎麼在可控預算内做好？找人對不對……都是問題。
柴徐駿：大家當然想保護自己的内容，但我覺得，這是一個行業成長時必須經歷的過程。
一步步地辨别哪些人更專業，更了解遊戲内容，了解遊戲音樂……如果你不踏出這一步，所有人都是原地踏步。
更重要的是，我們需要一開始設計好一個目标，然後反推。不能是無止境地推。
正向的商業模式就是成長的土壤，能讓人賺到錢……產業才會變大，才會有崗位，才能讓產業上升。
柴徐駿
蔡近翰：崗位這個事我有感觸。
我當年去錄《原神》，到英國的 Studio，發現連打節拍都有專門的人負責；
後來去美國錄音，光是打譜的費用，就要 4500 美元。
柴徐駿：而且不止音樂人有更多崗位，還有市場需求。
你看，遊戲音樂的用户，和聽古典、看交響的那一批觀眾還不同。
其實，他們原本是沒有為音樂付費習慣的，可因為遊戲 IP，他們走出了家門，就這麼成了全新的用户。
新用户，對于哪兒的文旅和地方消費來説，都是好事情。
蔡近翰：你如果在貴州辦一個演唱會，大家聽到了都會往那個地方去。多做幾場就有回本的可能了。
安棟：説到這個，其實我覺得玩家比交響樂迷要求更高。
我舉一個例子。去年我們在梅奔做《原神》的音樂會，現場 288 個樂手，其中 90% 是演奏過原曲的。
可是，玩家是要所有的細節都一模一樣，要現場和遊戲裏面聽到的是完全一樣的。
你想，這麼復雜的作品，要 200 多個工匠現場同時畫出來……這是很吓人的。
柴徐駿：和原著改編動畫或者真人的感覺一樣了。
安棟：區别在于，這些玩家都反反復復聽了這些音樂成千上萬次。
資深的古典樂迷都不一定會聽這麼細。
去年梅奔第一場完了之後，我去看小紅書。
有人説，這個地方為什麼鋼琴彈得這麼柔？處理得這麼輕？
有人説，這個地方的吉他怎麼被拿掉了？
——那人還挺好，他説安棟老師還挺會設計，把這個地方拿掉了……不是，其實就是沒有演出來。
（全場大笑）
第二天，我總結了一張紙，在樂隊排練的時候拿着話筒念，一處處地説哪裏彈錯了，哪裏處理不對……
之前我們很少有這樣的壓力。後來《星鐵》的音樂會也一樣。
宮奇你還記得不，彩排星穹鐵道的時候，我就給樂手説，這地方你百分百不能出錯，人家一下就能聽出的。
蔡近翰：我們和安棟老師一起過來的。真的蠻難。
安棟：音樂的 balance 也是。
那麼多人一起演奏，我們其實希望有 time code，把所有細節全部标注出來。
但是有個很大的風險，一旦當機，所有演出全部完蛋了。
所以，我們所有 balance 都是手跟。
還有計算機，軌道太滿了，居然出現了短暫的當機。
我合作的音響總監是當年參與過北京奧運會聲音設計的金少剛老師，他跟我説：" 奧運會開幕式都沒這樣過…… "
這真的是很吓人的工程。你面對這麼多玩家，一出錯就完蛋了。
02 遊戲音樂讓 IP 破圈
蔡近翰：其實大家願意來線下，還有個前提是大家對你的作品認可。
認可度也直觀地反映在了數據上。
流量高了，我們開心，用户開心，平台也開心。
所以，楊薇老師這邊，如何看遊戲音樂這兩年在平台上的流量趨勢？
楊薇：遊戲音樂發展蠻快的。
前兩天，知道要參加這個活動，我就説正好翻翻遊戲音樂現在的市場情況——
2020 年，遊戲音樂上架作品量是 1500+ 首；到了 2023 年，單年度上架就有了 7000+ 首。
所以，短短三年，遊戲音樂的上架數量，是呈倍數級增長。
上架數量變多，我覺得主要有兩個原因：
一是你説的，越來越多的項目願意去做遊戲音樂；
二是，大家以前懶得上架，但現在注重遊戲音樂的傳播，所以上了。
蔡近翰：音樂傳播對項目有正向的效果。
楊薇：是這樣的。
我舉一個例子，前段時間，我們和《星鐵》x 張傑的《不眠之夜》合作，在 TME 音樂首發。
那段時間，我們和遊戲做了很多的互動，還有一些聯名任務、勳章的玩法。
——張傑的粉絲喜歡，玩家也喜歡，大家都去衝榜，就讓這首歌的榜單數據非常好。
現在可以看到，《不眠之夜》半年就有了 200 萬的收藏。
這證明大家非常喜歡這首歌，覺得這是很好的作品。
其中一部分的原因是：遊戲音樂非常注重品質，它也在不斷尋求破圈，尋求更多聽眾。
之前，遊戲音樂就是給玩家聽，做場景需求；
現在，遊戲音樂還要突圍二次元領網域的用户，甚至觸達更廣泛的大眾。
還有個更爆更廣為人知的案例：《孤勇者》就是如此，不斷傳播，然後成了很破圈的歌曲。
楊薇
蔡近翰：《孤勇者》也是我的心魔。
當年，我們《Rubia》做起來，結果《孤勇者》橫空出世……啧，太強了。
到現在，我們單曲也沒有超過《孤勇者》的成績。
楊薇：真是現象級了。
後來，我們也能看到越來越多的歌手願意參與進來創作。
這些作品，通過平台合作，通過歌迷和粉絲的裂變，就實現了影響力擴大。
蔡近翰：之前一個遊戲音樂的前輩也和我們讨論過，怎麼讓遊戲音樂人的作品被大家聽到……
這麼多年下來，HOYO-MiX 也有一些打歌的方法論。
我可以給大家一些答案：你只要在一張專輯裏面放一首人聲曲就行，用它來帶動其他所有純音樂的作品。
楊薇：你用這樣的理念來做，就可以吸引更多人進來，成為一個寬泛的娛樂。
蔡近翰：這需要長期的訓練。
我們和騰訊長期的合作，看到作品的後台數據，然後一直在不斷調整自己的創作方向。
一件很殘酷的事情是：審美是長期變化的。
你當然可以不停向着一個方向走，搞文藝復興，做小眾表達；
我是認為要随着市場走，去和玩家共鳴，讓自己不在變遷裏被淘汰。
之所以我們要自己做團隊，也是為了用一個統一的價值觀和方式，來引領大家的創作方向。
當然，每條道路都有自己的走法。
比如，中途我們也有不少小夥伴離開了 in-house 的環境，去做外包。
我覺得，内部團隊确實不是遊戲音樂發展的唯一解，外包也有自己的優勢，包括請海外音樂人來做也有他的優勢。
安棟：市場需要多種形式并存。
03 稀缺的遊戲音樂人才
蔡近翰：正好有一個有關人才的問題想請教一下安棟教授：
您如何看待傳統學院培養出來的人才，與當下市場需求不太匹配的問題？
我個人感知，現在音樂學院培養出來的不少人才，其實更偏影視化人才。
可是，遊戲音樂是一個非線性的過程，需要玩家參與到體驗中。
打個比方，一個樸實、清新的村莊，就不需要那麼多起承轉合，也不需要恢弘。
但是，很多音樂人容易用力過猛，覺得十分吃力，所以匹配度也比較差。
安棟老師如何看待這個問題？如何做好人才培養？
安棟：人才培養的一個問題是學科設計。
其實，遊戲音樂現在有一個轉變——尤其在上海——已經逐步上了主流 table，被視作了一種產業、文化來對待。
所以，遊戲音樂也理應成為一個人才培養方向。
不過，教育都是有滞後性的。
什麼是教育的滞後？我們看到了市場發展，去設定培養路徑，中間再等等看方向對不對……這一等就是 5-6 年。
所以，國内遊戲音樂的人才培養是滞後的。也很正常，畢竟它還涉及到社會對遊戲價值的認定。
現在不一樣了，包括米哈遊《原神》在内的很多遊戲，已經成為了一個個文化傳播品牌，性質不同了。
安棟
蔡近翰：您覺得什麼樣的課程體系能讓畢業生順利地加入到遊戲行業？
安棟：這就涉及到另一個人才培養的難點。
——你學的東西該怎麼應用。
你學到的東西，可能要去做遊戲音樂，可能要給一個全新載體……教育的關鍵，就在于有沒有設定這個應用。
所以以目前市場剛需來説：
教育應該專門設定針對遊戲培養的訓練課程，還要加入行業導師才行。
舉個例子，假如我們去教一個畢生都沒涉獵過的領網域，卻成了權威……這對于應用音樂來説是有問題的。
課程設定就説一個問題。
之前我在美國做過一個作品的後期，拿過金曲獎提名。當時是和一個音樂人合作，我看他混音思路蠻清楚的，問他，你哪個學校畢業的。
結果人家沒接受過音樂學校的系統教育。
現在很多活躍的音樂人才，他們不一定在學校念過書；
很多念了書、剛畢業的音樂人直接去遊戲項目面試，反而是不一定被看上的。
蔡近翰：對，我們的團隊很多人都是非科班畢業。
安棟：也就是説，只要給到機會，在任何一個行業，中國的人才都是可以起來的。
但前提是，一定要有一個公平的競争環境，有一個合适的市場競争。
所以在 2019 年，我們就和米哈遊的 HOYO-MiX 做了一個有意思的事情：全球遊戲作曲比賽。
這個比賽沒有任何目的，就是讓大家創作作品，然後讓全球來評審，其中 50% 以上都是日本歐美的頂尖音樂人。
一開始有些很尴尬的情況，就老是外國人獲獎，把我們的獎金拿走了。
不過我們也可以發現，中國選手的水平和全球作曲是越來越接近的。
通過這樣的比賽，大家可以看到更多人才的表現，也接觸到更多的遊戲音樂創作。
如果教育再跟上，那麼人才能應用的場景就更多一些，得到的信息和綜合訓練也會更多。
楊薇：其實現在遊戲音樂對從業者的應用要求其實蠻高的。
一來，你要滿足場景需求；二來，我們還要做出能讓大眾產生共鳴的作品，給 IP 做出傳播效果。
我們也和 HOYO-MiX 的小夥伴合作了很久，看得到，大家的素養很高。
所以現在也能看到，《原神》《星鐵》音樂受到市場的歡迎。
安棟：當初，我們和米哈遊合作的一個很重要的原因就是，米哈遊是國内最早建立音樂廠牌和原創團隊的公司。
你看，内部就會覺得，這是我的事情，我會不停 follow，而不會覺得 case 結束了就不管了。
在某些時候，這也能形成一種體驗的一致性。
我最早做大型的遊戲音樂會的時候，總譜上面一般的籤名都是國外的作曲家。
從米哈遊開始，感覺就不一樣了。
我和 HOYO-MiX 合作過很多次，看得到他們的一個态度：不顧一切地在任何一個環節追求高水準。
我覺得，這也是我們搞教育的使命。大家覺得我們好了，那我們能不能更好？能不能做到國際水準？
所以，我們也要鼓勵中國的原創。其實中國原創作曲裏面，也有很多高水準的創作者。
有了這個想法，我們才能引領遊戲音樂的發展。
丁楠：中國很少有米哈遊和 HOYO-MiX 這樣的案例——
就是，他們用自研遊戲的思路，來做音樂。這真的太難得了。
海外肯定有一些遊戲公司，會有自己的團隊，有一些對自己音樂屬性的要求。
難能可貴的是，米哈遊這樣的公司，一方面有團隊建設，一方面有審美，對自己的音樂有不同的要求。
每次看到版本推出的時候，有新的元素，有中國風，有世界各地的民樂樂器、曲風、節奏，以及音樂與遊戲本身的整合……
這些都是在中國大部分廠商還在用外包團隊的時候，很特殊的存在。
安棟：他們這個案例就是示範作用。
中國很多廠商最近也開始有了自己的原創音樂團隊，這就是很好的風氣。
蔡近翰：不過説到底，關鍵還是人才的來源。
國内音樂也經歷過一段黑暗的時刻，大家會覺得音樂就該免費。
遊戲音樂也一度被貼上低廉的标籤，一兩天就寫一首。非常廉價的產出。還有人專門做這種生意。
當初，我們開始做這個生意的時候，盤子是很差的，真是一步步好不容易才做到今天這個樣子。
所以，我們也很感謝安教授一直在陪我們做產學研，做遊戲音樂比賽。
我們也沒有什麼比賽第一名就來米哈遊上班的説法，從來沒有，這麼多年，就挖了一個人。
——就一個目标，HOYO-MiX 要讓後來者覺得，做遊戲音樂是一件很帥氣的事情。
過去，觀眾只會去關注久石讓、坂本龍一這些外國的大佬。
這些年，HOYO-MiX 給大家作品署名，給大家拍紀錄片……我們就是為了讓大家的聲音被聽見。
如果聲音不被知曉，人才作為素人，就這麼埋沒，又談何培養呢？
04 到海外去，讓更多人聽到
蔡近翰：還有最後一個話題，也就是文化出海。
問一下丁總，你們怎麼看待這個事情。
丁楠：環球作為世界上最大的唱片公司，我們在 60 多個國家都有自己的辦事處和公司。
我們能看到，每一個地區，無論亞太、中東、巴西，都有自己很強烈的風格。
但無論什麼作品出海，都會回歸到一個點：我們是否和海外大眾有共鳴。
現在國内很多遊戲廠商，其實在海外也有了很高的知名度，也有不錯的 IP 作品。
如果想用自己的世界觀，去鏈接不同地區的玩家。
那麼我個人覺得，遊戲音樂就是一個世界性的語言，用音樂講 IP 故事，是一件四兩撥千斤的事情。
蔡近翰：這個真的是遊戲音樂很有優勢的一點。
丁楠：我覺得有兩個方面要做，一個廣度，一個是深度。
我先説廣度。
其實，國内現在遊戲音樂的制作，已經非常精良且成規模，達到了交響樂的水平。
前段時間，我們一位非常資深的同事聽到來自中國的交響樂的時候，就覺得很驚豔。
關鍵在于，遊戲音樂要尋找到自己的方式和渠道，去出海，然後觸達到更多的玩家。
不同于遊戲發行，音樂有自己的一套發行規則。
單從平台來看，中國有 TME，韓國是 Melon，法國是 Deezer ……其實古典音樂也有自己的流媒體。
丁楠
蔡近翰：什麼音樂用什麼樣的方式去傳播，就是一門值得研究的課題。
丁楠：再説一下深度——我覺得和剛才提到的活動有相關性。
很多時候，遊戲是做人和場景之間的聯系。
《使命召喚》和我們合作過。一個老牌的射擊遊戲。之前它出了新作，面臨一個問題：
老玩家怎麼盤活？怎麼讓新玩家知道自己的動向？怎麼展示新的玩法？
出于多方考慮，他們決定用音樂來做這件事，和環球音樂集團來合作，在英法德三地做了啓動。
其中，法國和德國的案例比較有趣。我這裏簡單分享一下。
大家覺得現在法國的遊戲玩家年輕人，會主要聽什麼流派音樂？
——不是什麼你想象的古典，或者流行，而是 " 法語嘻哈 "。
我們聊到文化輸出，一個關鍵是：
我們究竟是否了解當地的年輕閱聽人所喜歡的東西？他們的文化是什麼？他們在看什麼？聽什麼？用什麼社交媒體？
所以，我們根據《使命召喚》的閱聽人，判斷要在法國這個地區做起來，就要用法語嘻哈的方式。
那之後，我們找了環球的兩個演員，用了嘻哈 battle 的方式，順便表達了遊戲競技對抗的 feature。
德國的案例走了截然不同的思路。
《使命召喚》有一個隐藏地圖，他們希望引起玩家的好奇心，讓大家去尋找這個隐藏地圖。
我們就和一個 DJ 合作，做了一個線下的 Livehouse，然後在社交媒體上埋了一些線，引導大家去尋找這個地圖。
還有一個：遊戲裏面有一個場景，玩家可以在德國現實世界裏面找到一個一模一樣的地方。
所以，我們就在那裏，做了一個現實和遊戲的重現。
蔡近翰：這個蠻好的，線上 + 線下 + 遊戲 + 音樂整合在一起的案例。
丁楠：綜合剛才所説的，我們先有廣度，鋪得足夠廣，鋪到各個地區，觸達到更多的用户。
然後，我們再講深度，聊情感鏈接，去 push 共鳴。
蔡近翰：我們一直説文化交流的願景。
過去，HOYO-MiX 也在嘗試加入了一些文化元素進去，比如説傳統樂器、侗族大歌等等……如果你用的好，大家肯定會認可，知道有意思。但會不會持續關注？就不知道了。
畢竟還有一個大前提是，我們做的東西到底受不受老外接受？他們的年輕人到底在幹什麼？
基于這些觀察，我們是不是需要做一些更取巧的方式，去做一些世界大同，大家都認可的内容呢？
丁楠：我覺得很多時候就講一個語境。
誰講故事？怎麼講？怎麼用外國的閱聽人能理解的方式來講？
在大多數的流媒體上面，會分類為世界音樂，如果你要讓他們感知到，可能要試試 EDM，可能要走一個傳統古典……
我覺得，講故事的角度和切入點很重要。
安棟：這是一個新命題，也就是音樂和文化的融合。
蔡近翰：真的很感同身受。
當初做《原神》的時候，我們學習其他國家的風格，我們不懂他們的語言。
我們給對面説，我們可能會搞砸，可以嗎？對面會説：可以啊！只要你用上我們的元素，我們就真的超滿意了。
安棟：這在遊戲裏面也是很特别的現象。
全球的玩家沒有特别清晰的界限——看推廣的時候當然有，但玩遊戲的時候是包容的。
無論是聽到了日本、印度，還是非洲的音樂，他們都 OK。《原神》《星鐵》都是如此。這是很特别的現象。
遊戲音樂已經成了一種很國際化的語言，一種包容一切的音樂，也成了一種主流。
——就是，年輕人聽到這些東西，地網域色彩是一種素描，一種顏色，不是很原始的感覺，他會覺得很酷。
當然，這還是一種基于產品本身站得住腳，喜歡遊戲，然後愛屋及烏地喜歡上遊戲音樂。
蔡近翰：也就是，只有產品足夠地國際化，你才有那種機會，接受到來自世界範圍内所有玩家對你的反饋，甚至是批判。
你辦不到這個，做一個很小眾的產品，只能在小圈子裏很火……你收不到反饋，也很難進步。
你只會想當然地閉門造車，很多時候都是浪費時間……
我還是希望，我們的遊戲產業能不斷上升。
一句話是：種一棵樹，最好的時機是 10 年前，其次就是現在。
最終中國的遊戲音樂只要能站在世界的舞台上，不管是誰，自然也有後來人，謝謝。
